Francesco Toniutti. ha già affrontato il tema del paesaggio in passato, essendo uno dei suoi soggetti per eccellenza. Inizialmente si era dedicato a quello cittadino, ai monumenti, alla Galleria Vittorio Emanuele II di Milano e in seguito alla natura e al mistero dell’acqua, a lui tanto congeniale. Questa infatti scorre, restando sempre immutata, come l’artista, che nel tempo resta fedele a se stesso, ai suoi valori e al suo percorso, dimostrando valida ed efficace coerenza nella ricerca, a partire dalle prime prove degli anni Ottanta.

Quando pensiamo al paesaggio, immaginiamo solitamente distese sconfinate, vedute aeree, orizzonti infiniti… Originale appare quindi la sua più recente produzione, che, al contrario, si sofferma sulla parcellizzazione dell’ambiente naturale in alcune delle sue principali componenti: rocce, monti, cascate, laghi… che sono elementi caratterizzanti il territorio della città di Verbania, dove si colloca la nuova sede espositiva.

Toniutti parla giustamente di “frammenti”, da cui il titolo della personale, ma difficilmente volge a una dimensione micro, predilegendo una visione macroscopica, in opere di grande formato, che valorizzano i frammenti, attraverso un punto di vista sovente ravvicinato.

Una poetica del frammento esiste da anni anche nella letteratura. Ricordiamo in Italia le sperimentazioni della rivista “La Voce”, quando fu diretta da Giuseppe De Robertis; i versi liberi dell’Ermetismo; il “Notturno” di Gabriele D’Annunzio, pubblicato nel 1916 e scritto su strisce di carta, un rigo per ciascuna; le poesie di Eugenio Montale… Il frammento si pone come specchio espressionista della lacerazione dell’uomo moderno, sofferente e confuso nello svolgersi della storia.

Un importante riferimento letterario e simbolico nella poetica di Toniutti è rappresentato da Mario Luzi, che spiegava durante la conferenza “Uomo e Destino: il viaggio di una generazione” presso il Centro Culturale di Milano: “Il frammento, che è ciò che noi possiamo percepire di questa grande massa di eventi, è un riflesso del tutto. Il frammento è degno di essere amato e considerato in se stesso”.

I frammenti di paesaggio che ci propone Toniutti sono frutto dell’evocazione della memoria, aiutata dagli scatti fotografici. Luoghi del cuore e del pensiero, più che siti fisici e geografici, trasfigurati da colori acidi e artificiali, con toni pop, ma soprattutto espressionistici. Impossibile non pensare alle tinte forti dei Fauves e ai colori urlati di Van Gogh. La pennellata è densa e materica, per una gestualità solo apparentemente improvvisa, ma che si accompagna allo scorrere del tempo. L’artista vuole arrivare all’essenzialità della pittura e delle cose e per questo lavora spesso per sottrazione, alleggerendo e semplificando. L’allestimento segue l’ordine cronologico e le opere procedono verso la luce.

Toniutti apprezza in particolar modo il “Viaggio terrestre e celeste di Simone Martini” di Luzi del 1994 in cui il poeta scrittore immagina l’ultimo viaggio del pittore senese trecentesco che ormai celebre e anziano ritorna in patria da Avignone alla ricerca delle proprie origini. Alla narrazione si alterna la tensione lirica nel richiamo alle immagini dell’arte che celebrano lo spettacolo naturale e sacro della vita, nonché riflessioni su se stesso, Dio e la propria arte. Simone Martini si domanda se la sua pittura gotica fatta d’oro e splendore sia davvero riuscita a catturare il segreto della luce, quello che nessun pittore ha mai saputo dipingere. Comprende che ha potuto soltanto “accenderlo” in attesa della luce che “unifica” e “assolve”, che tutto comprende e trascende.

Nella sua poesia, Luzi ha indagato il mistero dell’esistenza umana attraverso domande senza risposta, ponendo a confronto la finitezza dell’uomo con la ricerca dell’eternità. Similmente Toniutti si confronta con il mistero della natura e la sua incomparabile bellezza. Come già hanno evidenziato illustri colleghi, quali Paolo Biscottini e Marina Mojana, l’artista, come il poeta, racconta la sua fragilità d’essere umano e si pone tra il visibile e l’invisibile, anche in una accezione religiosa, nel tentativo di ritrovare il senso e lo scopo della vita.

Vera Agosti

Francesco Toniutti. The poetics of fragment

This is not the first time Francesco Toniutti has tackled the theme of landscape – it is one of his quintessential subjects. He initially devoted himself to cityscapes, to monuments, to the Galleria Vittorio Emanuele II in Milan, and then to nature and the mystery of water, which fascinates him deeply. It flows, remaining unchanged, like the artist, who has stayed faithful to himself over time, to his values and to his path, demonstrating valid and effective consistency in his oeuvre, from his early attempts during the Eighties onwards. 

When we think about landscape, we tend to imagine it as boundless expanses, aerial views, infinite horizons …  which makes his most recent work seem even more original, focusing as it does on the fragmentation of the natural environment into some of its key components: rocks, mountains, waterfalls, lakes… the elements characteristic of the territory of the city of Verbania, where the new exhibition venue is located.

Toniutti rightly talks about “fragments,”  hence the title of his one-man show, but tends to eschew the micro dimension in favour of a macroscopic vision, in large-format works that highlight fragments through an often close-up perspective. 

The poetics of fragment has also existed in literature for years. In Italy, there were the experiments by the magazine La Voce, when it was edited by Giuseppe De Robertis; the free verse of Hermeticism; Gabriele D’Annunzio’s Nocturne, published in 1916 and written on strips of paper, one line per strip; the poems of Eugenio Montale… The fragment acts as an expressionist mirror of the laceration of modern man, suffering and confused in the unfolding of history.

Mario Luzi is an important literary and symbolic reference in Toniutti’s work, stating at the conference ‘Man and Destiny: the journey of a generation’ at the Cultural Centre in Milan that: “The fragment, which is what we can perceive of this great mass of events, is a reflection of the whole. The fragment is worthy of being loved and considered in itself.”

The fragments of landscape that Toniutti presents us with stem from evoked memory, aided by photographs. Places of the heart and mind, rather than physical and geographical locations, transfigured by acid and artificial colours, with Pop tones, but above all expressionistic. It is impossible not to be reminded of the strong colours of the Fauves and the screaming colours of Van Gogh. The brushstrokes are dense and textured, with a gestural quality that merely appears to be improvised, but which accompanies the passing of time. The artist wants to get to the essence of the painting and the things, which is why he often works by subtraction, lightening and simplifying. The exhibition follows a chronological order and the works proceed towards the light.

Toniutti is particularly fond of Luzi’s 1994 work Earthly and Heavenly Journey of Simone Martini in which the poet and writer imagines the last journey of the 14th century Sienese painter, by then famous and elderly, as he makes his way home from Avignon in search of his own origins.  The narrative alternates with lyrical tension in references to images from art that celebrate the natural and sacred spectacle of life, as well as reflections on himself, God and his art. Simone Martini wonders whether his Gothic painting, made of gold and splendour, has truly succeeded in capturing the secret of light, something that no painter has ever been able to paint. He understands that he has only been able to “ignite” it, waiting for the light that “unifies” and “absolves”, that encompasses and transcends everything.

In his poetry, Luzi explores the mystery of human existence through unanswerable questions, contrasting the finiteness of man with the quest for eternity. Similarly, Toniutti tackles the mystery of nature and its incomparable beauty. As distinguished colleagues such as Paolo Biscottini and Marina Mojana have previously remarked, the artist, like the poet, lays bare his fragility as a human being and places himself between the visible and the invisible, even in a religious sense, in an attempt to rediscover the meaning and purpose of life.

Vera Agosti